Zusammenfassung
Der Ansatz einer Gruppe professioneller Musiker, der Ansatz und die Reflexionen des HANATSU miroir Ensembles.
Das Ensemble professioneller Musiker: Licht auf verschiedene Wege in die Musik und zeitgenössische Musik werfen und reflektieren.
Dieser Schritt hilft, das Ensemble kennen zu lernen, das mit der Klasse arbeiten wird. Das HANATSU miroir Ensemble richtet sich an ein breiteres Publikum und ihr fortwährendes Hinterfragen der Zugänglichkeit von Musik und vor allem ihre zeitgenössische Musik führt sie dazu, den Zugang zu ihrer Arbeit während des Kurses mit den SuS zu vertiefen. Die Reflexionen des HANATSU miroir Ensembles können eine Orientierungshilfe für die ersten Begegnungen mit professionellen Musikern für die Klasse sein.
Dauer: 45 Min
Alter: ab 8 Jahren
Schlüsselwörter Kreativität und Entrepreneurship: Ideenfluss, Exploration, Interaktion mit der Umwelt, Arbeiten in Teams, Sensibilität für die Vielseitigkeit von Problemen
Beschreibung
Schritt 1 Ein Schritt in Richtung einer breiteren und näheren Öffentlichkeit, nach dem Beispiel des HANATSU miroir Ensembles
Das Ensemble möchte sich mit einer offenen und aufgeschlossenen Öffentlichkeit auseinandersetzen, die bereit ist, sich von der Sinnlichkeit einer Umgebung leiten zu lassen, die möglich macht, sich einem musikalischen Repertoire zu nähern, das manchmal als „zerebral“ gilt. Manchmal fehlt dieser Öffentlichkeit der Schlüssel zum Verständnis und sie kann daher die Musik nicht richtig aufnehmen. Die Hinzufügung einer verständlichen Bühnengestaltung und Dramaturgie macht es möglich, die Öffentlichkeit in den Kernprozessen der zeitgenössischen Schöpfung durch Zugänglichkeit, Sensibilität und Engagement zu schulen.
Schritt 2 Was ist zeitgenössische Musik?
HANATSU miroir Ensemble: Zeitgenössische Musik ist für uns die Musik des Möglichen. Alle Ästhetik, alle Erfahrungen sind zulässig. Die Regel besteht darin, eigene zu erfinden, sich von allen Fesseln zu befreien und ein musikalisches Umfeld neu zu erfinden, vom kleinsten bis zum größten seiner Komponenten. Denken Sie an den Klang als ein Element der Umwelt zusätzlich zu seiner traditionellen erzählerischen und dramatischen Verwendung.
Im frühen zwanzigsten Jahrhundert wurde der Lärm zum Klang. Dies wird bestätigt durch das futuristische Manifest von Luigi Russolo, „Die Kunst des Lärms“ (Arte dei rumori, 1913), in dem der Verfasser bemerkt, dass sich die menschliche natürliche Klangumgebung verändert hat, und sein Ohr mit den Geräuschen der Stadt, der Maschinerie und Industrien vertraut wurde, die den Kontinent im späten neunzehnten Jahrhundert eingenommen haben. Die Klangproduktion eines Orchesters, begrenzt durch die Kosten einer endlichen Anzahl von Instrumenten, reicht für die ständig neue Nachfrage nach neuen Strukturen, die von Komponisten gesucht werden, nicht mehr aus.
Eine neue Instrumentenfamilie hat eine freie Stelle eingenommen: die Percussion-Familie. Im Jahr 1929 widmete Edgard Varèse sein erstes Stück „Ionisation“ dieser Familie. Die erste Percussion-Klasse begann in Paris 1953. 1962 wurde das erste Percussion-Ensemble gegründet: die Percussions von Straßburg.
Davor wurde dem Perkussionist von klassischen Musikern eine punktierende Rolle (z.B. Pauken, Becken und Trommel) zugewiesen. Der Beruf des Perkussionisten wurde zur Aufgabe eines Koloristen, dann eines Harmonisten und schließlich, mit der Ankunft der Keyboards im Orchester, zu der eines Melodikers.
Traditionelle Instrumentalisten erlebten die Ankunft von Künstlern und Komponisten auf der Suche nach neuen Klangfarben; neue Spielweisen traten in Erscheinung. „Sul Ponticello“ zum Beispiel bedeutet das Spiel auf der Brücke eines Streichinstruments, um eine klangliche Farbe zu erzielen, die reich an Obertönen ist.
Die seitlich geblasene Flöte erlebt eine erhöhte Intensität der Atmung, die ihr Vokabular erweitert, und auch neue Fingersätze erlauben die Überlagerung von mehreren unnatürlichen Obertönen. Diese neuen, multiplen Töne werden „Multiphonics“ genannt. Die Rolle der Querflöte ändert sich auch. Wie die Percussion wird auch die Querflöte zur Quelle neuer Klangfarben; Jenseits ihrer Rolle als Melodikerin wird auch sie zur Koloristin, und manchmal sogar perkussiv.
Neue Instrumente entstehen aus bereits bestehenden Familien: Flöten, Klarinetten, Oboen (etc. …) werden durch Instrumente mit unterschiedlichen Registern (Bassflöte, Kontrabass) erweitert, die ihnen verschiedene Funktionen innerhalb der Instrumentalmasse ermöglichen.
Die Grenze zwischen Instrumenten „populären“ Ursprungs (Akkordeon, Percussion, Saxophon) verringerte sich und Komponisten machten sich diese neuen Klänge für die Tradition der klassischen Musik zu Nutze.
Die Entstehung der musikalischen Elektronik fördert das Bestreben, neue Klänge zu entdecken. Man beachte die Erfindungen des frühen 20. Jahrhunderts und die Wellen von Martenot (1918), von Thérémine (1919) und des Trautoniums (1929). Dann in den 1950er Jahren die Entstehung von Forschungsstudios für elektronische Musik: Die Musikforschungsgruppe (INA-GRM- 1958), der WDR in Köln (1951) und später das Zentrum für Kunst und Medien (1989) in Karlsruhe. Das bekannteste und aktivste Studio in Frankreich in Bezug auf Musikelektronik für zeitgenössische Musik ist das IRCAM, das 1969 unter Pierre Boulez gegründet wurde.
Die formalen Kanons sind ebenso vergessen. Die traditionellen musikalischen Formen (Sonate, Rondo, etc …) weichen der Freiheit der Symmetrie.
Die Anordnung von Klangereignissen in der Zeit wird präziser und feiner. In einer binären oder dreifachen Teilung der Zeit erforschen wir nun die 7, 9 und darüber hinaus. Das Auftreten der Maschine erlaubt es uns nun, das Maß der Tempi, den Puls (Metronom) zu standardisieren und die Geschwindigkeit der Interpretation sowie den Zeitablauf präziser zu definieren.
Im zwanzigsten Jahrhundert entwickelten die Komponisten ihre szenische Verortung der Stücke weiter und machten damit die Künstler zu Schauspielern in Bezug auf produzierten Klänge. Der Klang deutet eine instrumentale Geste an, und die Geste illustriert die Produktion von Klängen.
In den 1960er und 1970er Jahren integrierten Komponisten (John Cage, Jōji Yuasa) den Künstler in den Kompositionsvorgang. Der Komponist macht den Künstler für den Inhalt und manchmal sogar für die Form der Arbeit verantwortlich, indem er ihm einen Platz in den Noten einräumt (John Cage: Klavierkonzert, Brian Ferneyhough: Cassandra’s Dream Song für Querflöte).
Zum Schluss einige Überlegungen zur Harmonie: Es gibt immer eine Reihe von Regeln, die die Anordnung von Frequenzen erlaubt, aber die alten Regeln sind nicht länger gültig, und jeder Komponist ist frei, seine eigenen zu schaffen. Die alten, von Generationen von Komponisten und über Jahrhunderte hin entwickelten Regeln (einige in Reaktion auf die vorhergehende Generation) existieren, um eine vertraute Überlagerung von Klängen bereit zu stellen, so dass der Zuhörer eine bekannte und anerkannte Sprache findet, die sein Ohr auf einen vertrauten Weg führt und dabei neue Feinheiten entdeckt.
Es besteht die Möglichkeit, unbekannte Wege zu erkunden, neue Farben zu entdecken, neue Takte zwischen Klängen, die bisher als Verunreinigung oder Fehler angesehen wurden.
Schritt 3 Kuriositäten entdecken
Kompetenzen
Die SuS:
- haben Kenntnisse der zeitgenössischen Musik;
- sind offen und neugierig.
Materialien
Lautsprecher, Internetanschluss
Modulübersicht
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