Baustein 2: Vorbereitung des Treffens

Die Lehrkraft schlägt vor, Kinderstücke in verschiedenen Stilen und Ästhetiken zu hören. Die Stücke sind geschrieben für die Instrumente, die von den Musikern bei ihrem Unterrichtsbesuch gespielt werden.

NB: Wahlweise kann auch bewusst auf das Hören von zeitgenössischer Musik vor dem Treffen verzichtet werden.

Einige wichtige Stücke in der Geschichte der Querflöte:

Barock:

Die Querflöten waren aus Holz gebaut und waren damals deutlich weniger klangstark. Ihre im Wesentlichen melodische Rolle wurde von einem kontinuierlichen Bass begleitet, der auf dem Cembalo oder der Viola da gamba gespielt wurde. Die Lautstärke entsprach dem Musikzimmer.

J.S. BACH (1685-1750)Sonate in e-Moll für Flöte und Basso Continuo BWV 1034

Klassik:

Technisch hat sich das Instrument deutlich entwickelt, sodass Komponisten (u.a. Mozart) instrumentales Schreiben entwickeln konnten. Dank dieser Entwicklungen entfaltete sich die Virtuosität der Künstler und stärkte die Solo- und Melodie-Rolle des Instruments.

Wolfgang Amadeus MOZART (1756-1791)
Flötenkonzert Nr. 1 in G-Dur KV 313 (1778)

Romantik:
Die romantische Periode rückt die Flöte in die Mitte des Orchesters und begünstigt damit die bisher ausgegrenzte Solistenrolle angesichts der hohen Bandbreite des Instruments.

Johannes BRAHMS (1833-1897)
Symphonie Nr. 4 in e-Moll, op. 98 (1884-1885)

Impressionismus:

Syrinx von Claude Debussy ist das erste Stück, das moderne Instrumente zum Einsatz bringt, wie wir sie heute kennen. Ein viel zugänglicheres und schnelles Klappensystem  ermöglichte eine bislang noch nicht erreichte Virtuosität. Die Komponisten begannen dann, Stücke zu schreiben, die die Solorolle der Flöte wiederherstellten.

CLAUDE DEBUSSY (1862 – 1918)
Syrinx (1913)

Zeitgenössisch:

Das zwanzigste Jahrhundert ist das Jahrhundert aller Möglichkeiten. Verschiedene Komponisten konstruieren und experimentieren mit neuen Regeln und hinterfragen dabei kontinuierlich, was früher Geltung hatte.

Bryan Ferneyhough arbeitete an Notation und formaler Virtuosität in Cassandras Dream Song. Er arbeitet an den Noten. Das dichte Notenbild ist nicht dazu gedacht, in einer „idealen“ Weise ausgeführt zu werden, sondern spontan durch den Künstler, der die Reihenfolge der Segmente im Moment des Spiels auswählen kann.

Salvatore Sciarrino entwickelte eine Menge neuer Techniken in einer ganz neuen Weise, um so nahe wie möglich an den Künstlern zu sein. Durch das Experimentieren mit neuen Spielmodi kann die Flöte perkussive Klänge oder neue komplexe Töne aus Clustern entwickeln.

Das zwanzigste und einundzwanzigste Jahrhundert schließlich förderten die Verschmelzung von Kulturen. Joji Yuasa zum Beispiel schrieb im westlichen musikalischen System, um alte japanische Instrumente auf neue Weise zu spielen. Sein Anliegen war es, japanische Instrumente in die westliche Instrumentierung zu integrieren. Umgekehrt schrieb er auch für westliche Instrumente und entwickelte neue Techniken, die von den Klängen und Spielweisen der japanischen Musik inspiriert wurden.

Brian FERNEYHOUGH (b.1943)
Cassandra’s Dream Song für Flöte (1970)

Salvatore SCIARRINO (b .1947)
Hermes (1984)
Venere che le Grazie la fioriscono (1989)

Jōji YUASA (b.1929)
Maibataraki für Altflöte (1987)

Einige Meilensteine ​​in der Entwicklung der Percussions:

-Beethoven (1870-1927): Die Rolle der Percussion ist hier im Wesentlichen punktierend. Die Pauken, denen oft hämmernde Noten gegeben werden, werden am Ende einer Phrase gespielt, um eine Solistenphrase vorzubereiten oder dem Orchester einen Rhythmus vorzugeben.

-Bei Brahms (1833-1897) gelten die Pauken als vorteilhaft wegen ihres Klangs, da sie sich in die Mächtigkeit und Masse des Orchesters einfügen.

-Stravinsky (1882-1971) und Berlioz (1803-1869) führten die Pauken als Soloinstrument im Orchester ein. In Le Sacre du Printemps prägt das vorherrschende rhythmische Thema der Pauke ihre Identität auf die Bewegung „Verherrlichung der Auserwählten“. Bei Berlioz kommen bis zu 16 Pauken in seinem Requiem vor.

– „Le Marteau sans maître“ ist ein Werk des Komponisten und Dirigenten Pierre Boulez (1925-2016) aus dem Jahre 1955. Es ist repräsentativ für die französische Schule der integralen Serialität, die den aktuellen musikalischen Serialismus erweitert. Man könnte sagen, dass der Serialismus eine Kompositionsstrategie ist, die darin besteht, an einer Reihe von Noten durch verschiedene Prozesse zu arbeiten, in einer rigorosen, sogar starren Weise.

Der integrale Serialismus besteht darin, diese Prozesse (Spiegelung, Inversion, Wiederholung usw.) auf alle Parameter zu übertragen, die das Werk ausmachen: jenseits der Klangfarbe, Dynamik, Geschwindigkeit usw.

Die Percussions kommen auf sehr feine Weise zum Einsatz und unterstützen die dynamischen Kontraste und die rhythmische Präzision der Serie.

–Ionisation von Edgar Varèse (1883-1965) gilt als das erste Stück, das der perkussiven Instrumentierung gewidmet ist, zu einer Zeit, als dies unbekannt war. Mit 13 Perkussionisten, die rund 40 Instrumenten umgeben, komponierte Varèse 1931 dieses energische und innovative Stück, das bei seiner Präsentation in der französischen Öffentlichkeit von den Kritikern bejubelt wurde und dann in die zeitgenössische „Weisheit“ des Neoklassizismus einging. Es zeigt, dass ein Thema mehr rhythmisch als melodisch sein kann und Varèse präsentiert den unglaublichen Reichtum an Klangfarben der Percussion-Familie.